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Claudio Monteverdi: conheça mais da história desse grande compositor

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Entre os anos de 1400 e 1600, a Europa vivenciou um verdadeiro “alvoroço” no campo das artes. Qual o motivo? Esses dois séculos formam o período que conhecemos como Renascimento.

Foi durante essa época que quadros como a Mona Lisa e A última Ceia, de Da Vinci, foram pintados e que o teto da Capela Sistina ganhou novos e marcantes traços, pelas mãos de Michelangelo.

Também foi em meio a esses anos brilhantes que nasceu Claudio Monteverdi, considerado um dos maiores compositores da música clássica ocidental.

Visto como um verdadeiro prodígio, Monteverdi produziu sua primeira música aos 15 anos e, aos 20, publicou seu primeiro livro composto de madrigais, principal gênero de canções seculares do século XVI.

Você quer conhecer um pouco mais sobre a história desse importante compositor? Então, é só continuar com gente!

A vida de Claudio Monteverdi

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi nasceu em Cremona, na Itália, em 1567. Quando ainda era um garoto, Monteverdi foi contratado como violinista do duque de Mântua e teve a oportunidade de receber aulas de Ingegneri, o maestro “di capella” do duque.

Suas composições ousadas o tornaram um dos músicos mais influentes da atualidade e também um dos mais polêmicos da sua época, já que continham dissonâncias intencionais, o que causava furor entre seus companheiros de profissão.

Monteverdi foi casado com a cantora Claudia Cattaneo, que veio a falecer em 1607, mesmo ano em que o compositor produziu sua primeira ópera, chamada L’Arianna, especialmente para o casamento de Francesco Gonzaga, Marques de Mântua.

No ano seguinte, Claudio compôs L’Orfeo, que fez ainda mais sucesso e que o levou a ser convidado para ser maestro “di capella” da Basílica de São Marcos, em Veneza, alguns anos mais tarde.

Foi na cidade das gôndolas, aliás, que Monteverdi se dedicou à música sacra, deixando de lado suas antigas composições. No entanto, quando Claudio estava chegando aos 70 anos, Veneza estabeleceu uma série de óperas públicas e a sua carreira foi revivida.

Ele compôs suas duas últimas obras-primas, Il ritorno d’Ulisse in patria em 1641 e L’incoronazione di Poppea em 1642. Significativamente, essas obras contêm cenas trágicas, românticas e cômicas, e apresentam um retrato mais realista dos personagens.

Claudio Monteverdi faleceu em Veneza, em 29 de novembro de 1643.

5 fatos sobre Monteverdi

1. Ele recebeu diversas críticas

Claudio Monteverdi era constantemente criticado por outros compositores. Um de seus principais opositores era o teórico da música conservadora Giovanni Artusi.

Artusi condenava constantemente a linguagem harmônica de Monteverdi que, como resposta, adicionou ao prefácio de uma de suas publicações uma breve explicação, onde dizia que o que Artusi criticava era, na verdade, apenas uma “nova maneira de pensar”.

2. Monteverdi é considerado o “pai da ópera”

Antes de apresentar suas composições publicamente pela primeira vez, Monteverdi e seus colegas artistas se reuniram em casas da aristocracia para discutirem como adicionar drama aos musicais. Esse foi o primeiro passo para o surgimento do que conhecemos hoje como ópera.

3. Muitos de seus trabalhos foram perdidos

Especialistas acreditam que ao menos doze óperas de autoria de Claudio Monteverdi tenham sido perdidas com o passar dos anos. As únicas peças de sua obra que sobreviveram aos séculos, permitindo que sejam interpretadas completamente, são Il Ritorno d’Ulisse in patria e L’Incoronazione di poppea.

4. Monteverdi se tornou padre

Após a morte de sua esposa, Claudio Monteverdi não conseguiu se recuperar da perda, mesmo tendo a música como distração. Assim, em 1932, entrou para o sacerdócio, período em que compôs uma série de canções para a Igreja Católica Romana.

5. Ele “reviveu” a Basílica de São Marcos

Após ser nomeado como maestro e diretor da Basílica de São Marcos, em Veneza, Monteverdi realizou uma transformação completa no local, que até então estava esquecido, graças à má gestão de seu antecessor.

Em pouco tempo, Claudio reorganizou as operações, contratou novos músicos e cantores experientes, reabasteceu a biblioteca e permitiu a união entre a música do velho mundo e as novas composições. Seu cargo, ao todo, durou 30 anos.

Claudio Monteverdi acreditava que a música estava em harmonia com o ritmo da vida, sendo uma renovação do equilíbrio divino, sincronizando mente e emoções. No final das contas, a música, com toda a sua grandiosidade, aproximava o homem e o universo.

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Luciano Pavarotti: a história do lírico que se tornou uma estrela

Você sabe identificar violão de viola? Entenda a diferença entre os dois

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Violão e viola são instrumentos parecidos, mas têm características bem próprias e distintas entre si.

O som que cada um faz é diferente, a quantidade de cordas, estilos de música que são tocados em cada um, enfim, tudo isso se diferencia conforme você conhece mais deles.

Para lhe mostrar suas diferenças e semelhanças, vamos te contar tudo o que se sabe sobre cada um destes dois instrumentos.

Violão

É um dos mais conhecidos e populares instrumentos do mundo, sendo utilizado tanto em músicas populares, quanto em eruditas.

É composto por três partes principais:

– Corpo: é a “caixa de ressonância”, caracterizada pela abertura em seu centro;

– Braço: é fixado ao corpo, onde se situam as casas, que ajudam o músico a fazer diferentes tipos de sons e acordes;

– Cabeça: elemento fixado na ponta do braço, sendo normalmente o local de tarraxas (ou cravelhas), que serve para enrolar a corda e afinar o instrumento.

O tipo de violão mais comum é o de seis cordas, podendo variar entre aço e náilon, com o fio mais grosso, portanto mais grave, ficando no alto e o mais fino, portanto mais agudo, nas partes mais baixas do instrumento.

Sua origem se dá, provavelmente, na Espanha do século XVI, sendo uma variante da guitarra latina.

O violão começou a ter o tamanho e formato que conhecemos hoje apenas 300 anos depois, no século XIX, quando o luthier (construtor de violões) espanhol, Antônio de Torres, fabricou seu primeiro exemplar.

Ele chegou no Brasil por meio de Portugal e seus colonizadores.

Viola

Como dito anteriormente, a viola tem características similares às do violão, tendo em comum a sua estrutura: corpo, braço e cabeça.

Seu tamanho também é menor, sendo essa a principal diferença visível entre ambos, por isso possui um timbre mais agudo.

Possui cinco pares de cordas, totalizando dez, que são usualmente feitas de aço, demandam o uso de palhetas, dedeiras ou de unhas grandes, para poder executar os dedilhados.

Ela possui vários nomes, como viola caipira, viola sertaneja, viola de arame, viola de dez cordas e vários outros nomes.

É uma descendente de Portugal, que são originárias de instrumentos vindo da região da Arábia. Tem em comum com o violão, o fato de também ser parente direta da guitarra latina.

Sua origem, da maneira que conhecemos hoje, é no sertão do Brasil, quando os primeiros mestiços usaram as madeiras de árvores que cresceram em nosso território.

Ela é considerada um dos ícones da nossa música.

Resumindo

As semelhanças entre os dois instrumentos se dão em sua estrutura, com ambos possuindo uma cabeça, um braço e um corpo. Além disso, a origem deles também possui um ponto em comum: a guitarra latina.

Fora isso, seu tamanho, características sonoras, tipos e quantidade de cordas são diferentes.

Entendeu as diferenças entre viola e violão?

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Ukulele: entenda porque esse instrumento tem virado febre entre os brasileiros

Ukulele: entenda porque esse instrumento tem virado febre entre os brasileiros

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Com nome exótico e um som muito peculiar, o Ukulele é um instrumento de origem havaiana que está cada vez mais popular entre os músicos brasileiros. Frequentemente associado a ritmos praianos, como o reggae, é um instrumento pequeno e fácil de ser tocado.

A seguir, vamos contar mais sobre a história desse instrumento, porque ele está se popularizando tanto e quais as suas vantagens e desvantagens em relação a outros instrumentos de corda. Continue lendo esse artigo para conhecer um pouco mais sobre o Ukulele!

Origem do Ukulele

Como já mencionamos, o Ukulele é um instrumento fabricado em madeira que surgiu no Havaí, no século XIX. Com quatro cordas, ele tem como antepassados a braguinha, o machete e o rajão, instrumentos levados pelos cultivadores madeirenses de cana de açúcar que chegaram na ilha por volta desse período.

Na língua havaiana, o nome Ukulele pode ser traduzido como ‘pulga saltitante’, em razão dos movimentos feitos pela mão de quem o toca. O nome se popularizou através de um rei havaiano chamado Kalakaua, que gostava muito do som do instrumento e sempre pedia a um assistente seu, cujo apelido era Ukulele, que tocasse para ele. A partir da Segunda Guerra Mundial, o instrumento se popularizou também nos Estados Unidos, que acabou adotando a sonoridade em muitas das suas músicas tradicionais.

Características do Ukulele

O Ukulele é um instrumento de corda, usualmente fabricado em madeira, embora existam casos onde ele é feito em plástico ou outros materiais. Outra característica importante é que uma das cordas é afinada uma oitava acima das outras, uma prática conhecida como afinação reentrante. É essa afinação que dá ao Ukulele o seu som característico.

Comumente, eles se dividem em quatro tamanhos, que influenciam na quantidade de trastes no braço e, por consequência, no som do instrumento. O mais comum é o soprano, com escala de trinta e três centímetros. Os outros tamanhos são o concerto (com som mais alto e grave), ukulele tenor (ideal para arranjos dedilhados) e ukulele barítono (o maior de todos, com quarenta e oito centímetros, é praticamente um violão em pequena escala).

Por que esse instrumento está tão popular?

O instrumento se popularizou nos Estados Unidos na década de 40, mas acabou ficando mais de lado a partir da década de 70, marcada pelos instrumentos elétricos e sintetizadores. Porém, nos anos 2000 houve uma popularização massiva das músicas acústicas, o que trouxe o Ukulele de volta.

Artistas como Eddie Vedder e a banda Beirut usaram o instrumento nos seus álbuns, mas o verdadeiro responsável pela popularização em massa foi o músico havaiano Israel Kamakawiwo’ole. Seu mash-up de Over the Rainbow/What a Wonderful World esteve entre as mais tocadas da década, e o som inconfundível do Ukulele é a principal característica da canção.

A internet também ajudou a popularizar o instrumento, facilitando o aprendizado das formas de tocá-lo. Os músicos brasileiros também adotaram o instrumento, entre eles Marisa Monte, A Banda Mais Bonita da Cidade e Tiago Iorc.

Quer saber mais novidades e curiosidades do mundo da música? Dê uma olhada em nosso blog! Temos diversos textos incríveis sobre esse assunto para você aprender mais!

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Guia prático para tocar acordes de sexta no violão de forma simples

Funk romântico a ostentação: entenda como as mudanças no estilo musical aconteceram no decorrer dos anos

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Os gêneros musicais passam por diversas mudanças ao longo do tempo. Com o funk também não é diferente, especialmente em um gênero musical que passou por tantas transformações ao longo das últimas duas décadas. Neste post, vamos entender um pouco mais sobre as fases do funk e suas principais motivações.

Quer entender mais sobre isso? Acompanhe conosco!

Funk romântico: a versão brasileira do Funk Soul

O Funk Carioca teve a sua origem em meados da década de 1990, mas ele certamente é bastante diferente do batidão que estamos acostumados a ouvir hoje.

Com referências musicais do Funk Soul americano, do qual emprestou até o nome, o gênero musical era composto de músicas com letras melodramáticas e românticas, que tinham ligação direta com a realidade das comunidades do Rio de Janeiro.

Apesar de mais parado, o Funk já era uma música dançante, feita para tocar nos bailes cariocas, que também acabaram fazendo sucesso em outras cidades. O Funk utilizava samples de batidas americanas somado a melodias cantadas em uma ou mais vozes.

Funk Batidão: música torna-se independente dos ritmos americanos

A partir dos anos 2000 até 2010, o Funk adquiriu uma identidade mais própria, distanciando de suas raízes americanas. Para além do nome, o gênero musical agora era totalmente brasileiro. A música perdeu melodia, mas ganhou ritmo e batida criados para que as pessoas dançassem intensamente nos bailes das comunidades.

Os temas também mudaram, em consonância com a sociedade, pode-se dizer. O que era uma música romântica e melodramática se tornou um som com temas mais liberais, falando sobre temas como sexo, romances breves, a rotina dos bailes funk na favela, a vida do carioca, a violência, entre outros.

Isso seguiu uma tendência de toda a música POP brasileira, que se tornou menos romântica e sugestiva para se tornar mais explícita, tanto sobre assuntos positivos, como negativos. O Sertanejo também passou por um processo muito semelhante, à medida que o Sertanejo Universitário se consolidou nas rádios e na indústria cultural do país.

Enfim, o funk saía das divisas do Rio de Janeiro para ganhar o Brasil inteiro. Com isso, o gênero criou as suas primeiras estrelas de projeção nacional.

Funk Ostentação: o sucesso de quem sempre esteve por baixo

Com o sucesso do Funk Brasil afora, este gênero musical despertou a atenção da imprensa, das gravadoras e do público em geral. Finalmente, o Funk começava a deixar os seus artistas ricos. Isso teve também um efeito direto sobre os temas que essas músicas tiveram entre 2010 e 2017, aproximadamente, o chamado Funk Ostentação.

Nas letras, os MCs relataram uma rotina de luxos e regalias, com carros e motos importadas, mansões, festas com as melhores bebidas, a presença de pessoas famosas, jogadores de futebol e outras pessoas. Quem sempre esteve “por baixo” agora esnoba quem antes duvidava de sua capacidade.

Os videoclipes passaram a contar com grande qualidade de produção e edição, fazendo do Youtube um dos principais meios de difusão dessa música. Além, é claro, das plataformas de streaming que se tornaram extremamente populares.

Fase atual: melódico, feminino, sofisticado, internacional

O Funk hoje é um ritmo musical hegemônico. Nossos principais artistas do ramo já gravaram músicas com grandes estrelas pop internacionais e este mercado já movimenta milhões de reais para os envolvidos.

A música também ganhou qualidade. Melhores cantores e cantoras são os MCs de maior sucesso, enquanto uma grande equipe de produção trabalha intensamente para deixar a música com uma qualidade superior tecnicamente. O Funk saiu da favela para ganhar o mundo.

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Saiba como o funk soul influenciou produções musicais no cenário do Hip Hop Nacional

Saiba como o funk soul influenciou produções musicais no cenário do Hip Hop Nacional

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Saiba como o funk soul influenciou produções musicais no cenário do Hip Hop Nacional

Estilo influenciado por diversos movimentos culturais, o Hip Hop tem em suas fontes, a Soul Music, o Funk, o Blues, e o Dub originário da Jamaica, que deu vida ao formato de “fala cantada” dos MCs, figura consolidada na cultura Hip-Hop.

James Brown, Aretha Franklin, Betty Davis, Kool and the Gang e Earth, Wind and Fire, são artistas consagrados no funk e soul music clássico, originário dos Estados Unidos nas décadas de 1960 e 70.

A década de 1960 e sua efervescência sociopolítica imprimiu ao gênero a característica de abordar problemas e conflitos de seu povo em suas músicas. O retrato do cotidiano dos povos negros era tema central de suas harmonias embaladas pelas linhas de baixo e percussões.

Já na década de 1980, a mescla do estilo original ao novo ritmo eletrônico que havia tomado as paradas estadunidenses, trouxe à tona artistas como Public Enemy e Afrika Bambaata, unindo a música pop às bases gravadas dos clássicos do funk.

A Soul Music e o Funk foram difundidos no Brasil por artistas como Di Melo, Cassiano, Gerson King Combo, Evinha, Tim Maia e Jorge Bem Jor ainda nas décadas de 1960, 1970 e 1980.

Suas obras, em consonância aos clássicos norte-americanos, deram origem ao Rap e Hip Hop Nacional, consolidado na década de 1980 e 1990 pelos grupos Racionais MCs, Thaíde e DJ Hum, Facção Central e RZO.

AS ORIGENS DO HIP HOP NO BRASIL

Uma cultura que levou o som do povo preto aos ouvidos do país inteiro, e que pintou as paredes cinzas dos prédios com todas suas cores e personalidades, o Hip Hop invadiu o Brasil no final da década de 1980, originando-se na cidade de São Paulo.

A periferia teve processo ativo na construção do movimento. Com o surgimento dos bailes blacks, a cultura negra passou a se difundir através da música, e por estar presente nas ruas, falando do cotidiano dos subúrbios paulistas, ganhou expressou ao longo da década de 1990.

Artistas como Rapin Hood, Ndee Naldinho, Racionais Mcs, Facção Central e Dina Di deram abertura para as primeiras correntes do rap Nacional. O rap é a versão letrada do hip hop, cujos elementos se encontram nas artes visuais com o grafite, na batida das músicas sentidas pela dança e nas letras expressivas com relatos do cotidiano.

Na década de 2000, novas influências e vertentes foram surgindo, como as batalhas de Rap e MCs acontecendo nas ruas, seja em zonas centrais ou periferias, assim como novos olhares para temas antes pouco difundidos, como a discussão das relações de gênero.

O HIP HOP NO BRASIL

Além da cena paulista, o Hip Hop avançou no Brasil, ganhando expressividade em Brasília, Porto Alegre, e também no Nordeste, com uma cena firme na Bahia e no Ceará, produzindo artistas como Baco Exu do Blues e Don L.

A cultura se solidificou, também fora dos grandes centros do país. Artistas como Zudzilla saem da periferia de Pelotas para se destacar no país inteiro. Cenas expressivas se criaram, também em Rio Grande, São Borja, entre outras cidades do Sul do país.

Um número expressivo de mulheres também começou a dar frente às vozes da cultura. Flora Matos, Karol Conká, Nega Gizza, Negra Jaque, entre outras, são artistas que trazem o universo da mulher negra na cena nacional.

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Break dance: saiba como a dança de rua muda os paradigmas dos jovens da periferia

Elementos do Hip Hop: saiba quais são os 04 elementos artísticos que compõe essa cultura

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O Hip-Hop é mais que apenas um estilo de música ou de dança, ele é uma cultura, algo que engloba muitas coisas ao seu redor.

Seu início se deu na década de 1970, lá na cidade de Nova York, no bairro do Bronx. Nele viviam moradores, que tinham, em sua maioria, origens africanas, latinas ou jamaicanas.

Eles sofriam constantes preconceitos, principalmente pela sua cultura ser diferente do que a dos Estado Unidos.

Ao longo dos anos, essas pessoas sofreram com o descaso político, violência do tráfico de drogas e das guerras de gangues da época.

Então, dentro desse cenário, surgiu a necessidade de expressar, com um movimento cultural que visava unir música, poesia, dança e pintura.

Nascia então o Hip-Hop: “hip” é uma gíria, que em inglês significava “moderno”; “hop” é um movimento de dança.

Junto disso, surgiram os quatro elementos do Hip-Hop.

Breakdance

Também conhecido como breaking, ou até street dance, é um estilo de dança urbana, nativo de Porto Rico, usado por pessoas que se apresentava nas ruas de lá.

Suas inspirações são as artes marciais, que são atividades que tem como base os movimentos de guerra.

Suas competições, por ter essa origem, são até hoje chamadas de brigas (ou fights, em inglês). O homem que pratica essa arte é chamado de B-boy, a mulheres é conhecida como B-girl.

Outros nomes para a breakdance:

– Up Rock;
– Locking;
– Popping;
– Hip-Hop Dance.

Rap – MC

É o estilo musical que mistura ritmo e poesia, tornando quem faz uso desse modo de se expressão num MC, que é a sigla em inglês para Master of Ceremony, que significa mestre de cerimônias.

São considerados os pensadores e a consciência desse movimento, colocando suas necessidades, ideias e decepções em suas rimas.

Eles são os responsáveis por cantar e entreter o público presente nos shows/eventos.

DJ

Mais um elemento do Hip-Hop que é muito popular nos dias de hoje, os DJs (sigla em inglês para Disk Jockey) são os responsáveis por selecionar e realizar as mixagens das músicas, tornando sua responsabilidade tão grande quanto a que os MCs têm.

Para eles cabe a função de mudar, alterar e até misturar as músicas. Ou seja, eles têm relação direta com a musicalidade e as batidas das festas.

Tudo isso exige um bom ouvido e conhecimento musical apurado, já que é ele quem conduz as rimas, as danças e as inspirações dos outros elementos.

Grafite

Para completar os quatro elementos do Hip-Hop, temos o que representa essa cultura por meio de pinturas: o grafite.

Ele ganhou força quando os jovens pintaram muros e paredes nas ruas, sempre com o objetivo de mostrar suas insatisfações, como forma de protesto.

Os artistas que praticam o grafite são conhecidos como “writers”, que significa escritores em inglês. Esse nome é devido a todos assinarem suas obras em seus trabalhos.,

Gostou de aprender um pouco mais sobre a cultura Hip-Hop? Acesse o nosso site e saiba mais sobre os movimentos culturais!

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Hip Hop: como esse movimento cultural se espalhou por todo o Brasil na década de 90